viernes, 29 de junio de 2007

El Kalimotxo de mamá

Pablo Carbonell, como siempre, nos ofrece algo que rebosa simpatía,frescura y buen humor. Le sigo desde los mitiquísimos Toreros Muertos, y siempre me ha gustado este hombretón. Creo que ha hecho de todo lo ue se puede hacer, o de casi todo. Este verano nos obsequia con 2 cosillas para el verano. Una de ellas es el film Atasco en la Nacional, tipical spanish y más en estas fechas veraniegas que se acercan.

Lo otro que nos ofrece es lo que pretende convertirse en el nuevo himno de las Fiestas de San Fermín, y en la odiosa y odiada por todos Canción del Verano. Aquí os lo dejo, no tiene desperdicio...


martes, 19 de junio de 2007

Cinema # 6: Tora! Tora! Tora!






El 7 de diciembre de 1941, aviones de la armada japonesa realizaron un ataque sorpresa sobre la flota americana del Pacífico estacionada en la base de Pearl Harbor en Hawai.

Este argumento, y a la vez hecho histórico, les sirve a Richard Fleischer, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda para comenzar el rodaje de esta cinta.

Estrenada el 23 de septiembre de 1970, la película intenta mantener la máxima neutralidad y respeto hacia ambas partes, tratando el conflicto desde los 2 puntos de vista, el japonés y el estadounidense, y procurando ofrecer una visión lo más realista y documentada posible sobre el inicio de las hostilidades que provocó la entrada de los Estados Unidos en la segunda guerra mundial. Aunque se dejan varias cosillas en el tintero, desconociendo si se les pasó por alto o no de forma intencionada.

El film presenta un gran conjunto de actores "no estrella" como Martin Balsam, Sô Yamamura, Joseph Cotten, Tatsuya Mihashi, E.G. Marshall, James Whitmore, Takahiro Tamura, Ejirô Tono y Jason Robards entre otros, los cuales realizan un estupendo trabajo con fenómenas actuaciones. No contar con "actores estrella" en una superproducción era algo raro, aunque a tenor de los resultados la decisión fue muy acertada.




Todos los aspectos históricos han sido tenidos en cuenta, desde el puramente bélico, pasando por el diplomático, el espionaje, los motivos que indujeron a los japoneses al ataque, y desde luego la estrategia, que tan decisiva fue en el Pacífico durante la segunda guerra mundial. El Imperio Japonés se encontraba en pleno auge y los Estados Unidos no estaban dispuestos a admitir las ambiciones expansionistas japonesas en Asia y en las islas del Pacífico, de modo que no abandonar esas pretensiones supondría la guerra contra los Estados Unidos.

En este punto Japón decide no posponer lo "inevitable", y comienza la guerra en una posición de ventaja, atacando por sorpresa la flota de Estados Unidos en el Pacífico, la cual estaba estacionada en Pearl Harbor.

El gran objetivo de este ataque no era otro que el de destruir los portaaviones americanos. Hasta la época, los grandes dominadores de los mares habían sido los acorazados, verdaderos monstruos navales, que perdieron esa posición de hegemonía durante la segunda guerra mundial en favor de los portaaviones.




Aunque el ataque causó bajas considerables en la flota de Estados Unidos, los portaaviones, ausentes de Pearl Harbor, resultaron ilesos siendo decisivos durante el resto de la guerra y decantando el resultado final hacia el lado americano, cuando en la batalla de Midway, consiguieron hundir a los mejores portaaviones japoneses. La mayor parte de los datos históricos están presentes en la película, desde las deficiencias del puerto de Pearl Harbor, hasta la total descoordinación de mandos americanos, propiciando un resultado desolador entre sus fuerzas, que tan bien contemplado queda en la película.

La dirección es ejemplar en todo momento, manteniendo un equilibrio magnífico, gracias al cuál, el resultado final es extraordinario. La doble visión del conflicto, ni enturbia el conjunto ni crea confusión, sino que ofrece una visión mucho más dinámica y justa de la historia, utilizando con buen criterio las diferencias de mentalidad entre oriente y occidente.

La banda sonora, que corre a manos del buen Jerry Goldsmith, es realmente soberbia. No se hace un abuso de la misma, de modo que cuando se utiliza, intensifica el dramatismo de una manera muy eficaz.

La ambientación de la época, es brillante, cuidando en la película hasta el último detalle para obtener una credibilidad necesaria en este tipo de recreaciones históricas tan recientes en el tiempo.


Y ahora 2 secuencias que muestran tanto el nivel de ambientación del film así como de lo cuiada que está y la belleza de muchas de sus escenas...




Las secuencias de acción son muy realistas. Rodadas a la antigua usanza y con ese gustillo de las películas de entonces. Desde luego a mi me siguen resultando visualmente espectaculares y muy bien realizadas. Todo era artesanal, sin tanto CG ni leches en vinagre. Fue galardonada con el Óscar a los Mejores Efectos Especiales.




La secuencia del despegue de los aviones japoneses, es soberbia, dado muestra de una gran precisión y belleza.

Estamos ante un film típico de sábado-domingo por la tarde, o al menos a eso nos han acostumbrado las gentes de TVE. Película muy entretenida y que sirve para conocer un poco más la historia, aparte de ofrecernos 2 puntos de vista en un mismo film. A aquellos que esperen disparos por doquier que se pongan a ver otra cosa, que esta cinta no es de esas.

lunes, 11 de junio de 2007

25 años de un Extraterrestre






Hace algo así como 25 años que un joven Spielberg filmó la que sería una de sus grandes obras cinematográficas. Ya contaba con joyas entre sus latas como Duel, Tiburón, Encuentros en la Tercera Fase o Indiana Jones: en busca del Arca perdida, pero E.T. se convirtió con méritos propios en la película más taquillera en su día, y una de las más taquilleras a día de hoy. Bueno,a decir verdad creo que esto ha pasado con todas las películas que han pasado por los ojos y manos del maestro.

"Tiene miedo. Está completamente solo. Está a 3.000.000 de años luz de su casa".




Así rezaba el anuncio original de promoción de E.T, el Extraterrestre. Prometía ser un film de aventuras, sentimientos, una epopeya celestial, y lo que el público finalmente vio en la gran pantalla fue algo que se encontraba más allá de lo que prometía la campaña promocional.

Como casi todo en esta vida, la infancia es el cimiento de nuestros yoes futuros, así como de nuestros caminos y acciones. Como anécdota personal del propio Steven, tras el divorcio de sus padres comenzó a tener un amigo imaginario. Para el joven cineasta, su amigo imaginario era como el hermano que nunca tuvo y un padre que jamás sintió volver a tener. Dicho amigo imaginario respondía al nombre de ET. Y logra plasmar en el film su pasado personal en la figura de Elliot, mostrando al tierno extraterrestre como salvador de un niño sumido en la tristeza por el divorcio de sus padres.

Nos encontramos frente a una de las películas más sinceras de la Historia del Cine, un sueño hecho realidad que, a pesar de su trasfondo mágico e infantil, oculta una triste desesperanza: la perdida de los anhelos. Por cierto, tema recurrente en su filmografía como se puede comprobar en sus films Hook, Inteligencia Artificial, El Imperio del Sol,...




Tras un comienzo lleno de misterio, se nos narra la aflicción de un ser de otro mundo que es olvidado por sus compañeros en un planeta desconocido. La complicidad que se origina entre el visitante extraterrestre y el niño que lo recoge es expuesta con una elegancia inusitada, un ejemplo incuestionable de lo que debiera ser la verdadera amistad. Muchas son las voces que acusan al realizador de este film de caer en el sentimentalismo, sin embargo no hay, a mi entender, lloriqueos banales, sino un cúmulo de escenas brillantes que describen profusamente la relación de amistad que se va generando entre el niño y E.T.

Con el día a día los lazos de amistad se van estrachando, llegando a ser uno mismo los 2 y transmitiendo ET a Elliot todos sus sentimientos y apetencias, llegando incluso a hacerlos suyos. Pero la película no solo toca temas universales e infantiles, sino que también habla de los adultos, de cómo la realidad les hace olvidar lo que fueron: niños inocentes eternamente sumergidos en inagotables fantasías. Un ejemplo de ello es la escena enla que Mary le lee a Gertie el cuento de Peter Pan, que también supone otro guiño a la infancia del director, pues era su cuento favorito de cuando era pequeñín.

No hay palabras, pues, para describir la intensa emoción que genera el visionado de esta ya mítica película. Es una magistral combinación de humor, drama y amistad.

Una mítica escena de este GRAN film




Con un reparto plagado de desconocidos en aquellos tiempos, nos encontramos ante un gran repertorio de buenas actuaciones. Tenemos a Henry Thomas, Dee Wallace, Robert MacNaughton, Drew Barrymore y Peter Coyote en los papeles de Elliot, Mary, Michael, Gerti y Keys entre otros. Son actores que, en mayor o menor medida, más o menos conocidos, han proseguido con sus carreras y algunos siguen a día de hoy en esto que es la industria del 7º arte. Una muestra de los buenos registros de los actores es la prueba de casting que se le hizo a Henry Thomas, disponible para todos aquellos que tengáis la peli en DVD o bien a aquellos que visitéis el Youtube.

La Banda Sonora corre, como no podía ser de otra manera, al mitiquísimo y requete-colaborador de Steven Spielberg, John Williams. Williams, lleva a cabo en esta ocasión uno de sus mejores trabajos. Y si normalmente consigue llevarte donde quiere batuta en mano, en esta ocasión te lleva más allá. Se te mete dentro, te hace partícipe y protagonista de la historia, y te deja caer en un cielo repleto de estrellas desde el que poder disfrutar esta entrañable historia. Atención, por ejemplo, a la llegada de los extraterrestres, con esa tenue música descriptiva que nos introduce de lleno en la historia. Inefable es el trabajo de Williams cuando da aliento a los niños mientras pedalean en sus bicicletas, y trágicas sus notas cuando desarrolla con ellas la enfermedad de Elliot y E.T. Spielberg tenía razón cuando decía que no era otro sino el compositor el que mantenía a los protagonistas en el aire cuando iban montados en sus bicicletas. Un verdadero portento.




Tras una persecución agotadora con vuelo incluido, y un magistral ritmo, llega el triste momento de las despedidas. Esto ya en un nivel más íntimo, creo que, mejor dicho, sé con certeza que ET es sin lugar a dudas la película que más me ha hecho llorar y en más ocasiones. Y ya no solo por la tristeza de la despedida final, que también, sino en diversos momentos a lo largo del film. Entre ellos el de su primer vuelo nocturno, al ponerse enfermos, al curarse, en la despedida final,... Entre la mano maravillosa de Spielberh y la batuta del fenómeno Williams, son capaces de tocarme en lo más hondo de mi corazón y sacarme de dentro sentimientos y sensaciones que normalmente no suelo sacar. Algo de común hay en los pasados de estas personas y el mío propio...




Y poco más que decir ya en este breve serial que os presento, sobre una de mis películas favoritas y que quizás más me hayan marcado. Totalmente recomendada para todos aquellos que gusten del buen cine, que tengan casi 2 horas libres y que quieran invertirlas en disfrutar con una película fenómena como es esta. Yo aún recuerdo como mis padres me llevaron a un cine de la famosa Gran Vía madrileña creyendo que íbamos a a casa de mis abuelos de visita, y cual fue mi GRAN sorpresa cuando vi aquel cartel pintado a mano tan típicos de los cines de la Gran Vía de mi ciudad. Es una película atemporal, que ha soportado muy bien el paso del tiempo, que transmite incluso más que en sus días. Una película con la que disfrutar en compañía de los tuyos. Aunque quizás no este hecha para las generaciones actuales, sedientas de otro tipo de ocios y valores que aprender y hacer suyos.

Y para los buenos cinéfilos y que gusten de tener pelis en DVD, advertirles que la edición existente en nuestro país es muy buena salvo por un detalle: ESTÁ FATALMENTE REDOBLADA. Para los pequeños de hoy en día no importará este detalle, pero para los de mi generación es algo que NO SE PUEDE PASAR POR ALTO.

Ah, y añadir que allá por estas fechas del año 2002, con motivo del 20 Aniversario la película fue reeditada, con una BSO en directo y nuevas escenas añadidas. Todo un privilegio el poder haber disfrutado tanto de pequeño como de mayor de este título en pantalla grande.




Un abrazo y recordad que "Estaré ahí mismo"...

domingo, 10 de junio de 2007

La mar...






Fue en 1943 cuando, en compañía de Leo Chauliac, Charles Trenet escribió la canción La Mer, a lo largo de un viaje en tren. Y no fue hasta 1946 cuando se grabó esta song. Más de 400 versiones se conocen sobre esta GRAN song.

Habitual cantante de Cabarets en la escena francesa, y conocido como Le fou chantant, aceptó diversos encargos, como ir a cantar a los campos de detención de prisioneros franceses durante la 2ª Guerra Mundial para entretenerlos. Tras la Guerra, marchó a los Estados Unidos donde alcanzó el éxtido y vivió por unos años, rodeándose de amistades variadas como Chaplin y Louis Armstrong. Retornó a Francia a comienzos de los 50 y allí se quedó, actuando y grabando discos. Tras una primera retirada en 1975, regresó en el 81 con un nuevo álbum, siendo todo un éxito. Aunque sacó un par de álbumes más, siguió alternando entre la actividad y el retiro hasta casi el final de sus días, en el año 2001.





Se trata de una gran canción, de eso no cabe duda, pero es posible que sea más conocida su versión en inglés, que ha sido cantada por diversidad de cantantes. La más famosa versión quizás haya sido la cantada por Bobby Darin, gran cantante de música tan variada como el folk, country, jazz y pop, y con una enorme capacidad para la música, manejando tanto el piano como la batería, la armónica, el xilófono y la guitarra. Gran acogida que tenía por parte del público y un super ventas de la época.

También tocó un campo como el cine, actuando en diversos films, tomando parte también en la política y en el terreno de la medicina, ya que donó su cuerpo, tras fallecer, a la UCLA para la investigación.





Entre sus más de 400 versiones, yo quizás me quede con la de Robie Williams, tema que aparece en la banda sonora de la película Buscando a Nemo. Sobre Williams no contaré nada de nada, tan solo que para no ser un estilo en el que se prodigue mucho, consigue clavarlo el man. Todo un pedazo de singer de songs este torpeden britániquen, del cual ya hablaré más distendidamente si eso en otro post, que este ya queda un poco cargaden, y el menda se lo merece.

sábado, 9 de junio de 2007

Osu Tatakae Ouendan






O lo que es lo mismo, originalidad llevada a la portatil de Nintendo. Este game no es nuevo, salió allá por el año 2005 en tierras niponas, pero yo lo acabo de descubrir como aquel que dice.

El juego trata sobre un grupo de animadores y animadoras que son reclamados por los habitantes de una ciudad para ayudarles. El tono manga esta fuertemente presente en todo el juego, con situaciones completamente inverosímiles y exageradas al máximo. Nos encontramos con todo tipo de historias, en las que ayudaremos a un estudiante a aprobar un examen, a un caballo de carreras, a un vendedor, a conseguir que una persona consiga encontrar el amor de su vida, a poner en forma a una Cleopatra, a ayudar a un chico a escapar de un ratón gigante e incluso a un espíritu a contactar con su amada. En fin, todo de lo más variopinto.

El sistema de juego es bien sencillo, ya que estamos ante un juego del género musical y Ouendan! no se desmarca en exceso de la forma de jugar de este tipo de juegos a excepción de la utilización del stylus para todo, claro está. Deberemos de ir tocando diferentes botones que aparecen en pantalla siguiendo el orden que se nos indique, ya que cada botón va numerado. No tendremos que tocarlos cuando queramos sino que deberemos de tratar de pulsarlos en el momento indicado. Cada botón aparecerá con un halo a su alrededor que poco a poco irá decreciendo hasta tomar la forma original del botón, momento que deberemos aprovechar para pulsarlo. Cuanto más precisos seamos, mejor puntuación obtendremos.

Aunque el game esté íntegramente en japonés, no pasa nada de nada. Entre la música y las viñetas que aparecen se puede seguir perfectamente la historia y pasar un rato muy divertido. Y es que este juego engancha como pocos, que es lo que suele pasar con los games sencillos y divertidos.

La dificultad va in crescendo, si bien al principio es bastante sencillo conseguir altas puntuaciones, con el paso de las fases se va complicando y se hace difícil el alcanzar los mejores puestos en la lista de los más jugones.

Mención aparte merece la banda sonora del juego: es una auténtica maravilla, recomendando desde aquí su escucha a todo el mundo. Quince temas absolutamente sorprendentes para el público no japonés que llegan hasta nuestros oídos con una calidad asombrosa para tratarse de una consola portátil.

Os dejo aquí el enlace de la web de este gran game.

Por cierto, en Julio se espera en Europa la salida de Elite Beat Agents, segunda parte de este fenómeno music-game y que allá por el día 13 lo tendremos disponibles.




Que no os vuelva locos el vídeo, que luego el game no es tan duro como parece, aunque a veces...

viernes, 1 de junio de 2007

Tal día como hoy hace 40 años...





Hoy, 1 de junio de 2007, se cumplen 40 años del lanzamiento de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, que para mí es el disco más importante en la historia del Rock. Lo cual no quiere decir que sea el mejor, que no lo es seguramente, ni que haya soportado el paso del tiempo de la mejor manera, pero sí se puede afirmar que marcó un antes y un después en la historia de la música de tal magnitud que, aún hoy día, se deja sentir.

En 1966, los Beatles dejaron de actuar en directo ante la imposibilidad de plasmar en sus giras las posibilidades que el estudio de grabación les ofrecía, el escenario se les quedó pequeño debido a su constante evolución y la experimentación. Como resultado de su retiro en Abbey Road One, tenemos este álbum.





Sgt. Pepper's fue todo un fenómeno social, no solo musical. Para los músicos representó abrir una ventana hacia un mundo técnico en el que todo estaba permitido. Pero el mensaje a la sociedad fue más importante: por primera vez un disco se veía como arte, en la misma con la que se podía apreciar cualquier cuadro, escultura o novela clásica. Se creó algo más que un puñado de canciones metidas con calzador en un vinilo, era algo con un hilo argumental (como en el music-hall inglés, al que debe mucho) pero hecho para perdurar.

Este intento de crear algo artístico y no un simple disco, empezó por la portada: la más legendaria de la historia de la música; luego está la forma de empalmar las canciones, sin transición, algo nunca antes hecho; por poner las letras de las canciones en la funda, también por primera vez; por regalar recortables, que hoy en día es el merchandising, con el disco; por marcar el debut del sistema de reducción de ruido Dolby...

Y sobre todo lo logró con la música. Gran parte de los temas han envejecido y se notan los 40 años pasados, pero eso no sucede por ejemplo con el cierre del disco, A day in the Life. Mucha gente la considera lo mejor que hicieron en toda su carrera. Para otros es simplemente el mejor tema de la historia del Rock. Se como sea, impresiona escuchar hoy en día este tema, un tema con una frescura acojonante.

Aquí os dejo un interesante enlace sobre el disco y todo lo que le rodea. La única pega es que está en inglés, pero bueno, más o menos se puede entender.


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